BM Design: janeiro 2010

O design de qualidade, produzido desde o início do século XX, pode ser visto na mostra Ícones do Design – França/Brasil, no Museu da Casa Brasileira, em São Paulo. A exposição, que reúne objetos brasileiros e franceses, num total de 44, é parte das comemorações do Ano da França no Brasil.

Entre as peças, podem ser vistas, por exemplo, a Chaise longue LC4, de Le Corbusier, Pierre Jeanneret e Charlotte Perriand; a calçada de Copacabana, com redesign de Roberto Burle Marx; a caneta Bic; as sandálias Havaianas; o espremedor de frutas Juicy Salif, de Philippe Starck; e a poltrona Mole, de Sérgio Rodrigues.

A mostra tem curadoria do francês Cédric Morisset e da brasileira Adélia Borges, e destaca a presença do design no cotidiano das pessoas. Propõe também a reflexão sobre a presença dos objetos na construção da memória individual e coletiva, questionando sobre o que confere a um objeto o título de ícone.

Para o curador francês, “os ícones sempre provocam a adoração tanto quanto o ódio”. “O que confere o estatuto de ícone a um objeto? A história? O sucesso comercial? A notoriedade? A escolha e o reconhecimento dos aficionados?”. Sua resposta: “Sem dúvida, tudo isto simultaneamente. Mas também, sem dúvida, a capacidade do objeto de marcar simbólica e visualmente a sua época, ao mesmo tempo em que relega seu valor de uso a uma posição secundária”.

Em seu trabalho de curadoria, Adélia Borges afirma ter privilegiado os produtos que apresentaram no decorrer dos anos uma grande penetração no dia-a-dia dos brasileiros e aqueles cuja criação foi importante para a história de nosso design. “O amplo espectro dos segmentos envolvidos na mostra dá uma idéia da extensão da presença do design no dia-a-dia da vida das pessoas, e da capacidade que os objetos têm de expressar o tempo e o lugar em que são feitos, comunicando-se com seu público para além de sua estrita funcionalidade”, diz.

Aproveite para ver de perto, entre os ícones franceses: a caneta Stylo BIC, de Marcel Bich (1950); imagem do avião Concorde, projeto de Sir Archibald E. Russell /Pierre Satre/Bill Strang/Lucien Servanty (1967); o copo Perrier, de Martin Szekely, Perrier (1996) e o
conjunto de taças “Um parfait”, de Philippe Starck, Coleção Darkside, Baccarat (2005), entre outros.

Do lado brasileiro, veja: o Avião Demoiselle, de Alberto Santos Dumont (1907); a poltrona Bowl, da arquiteta Lina Bo Bardi (1951), também responsável pelo projeto arquitetônico do MASP; Sandálias Havaianas, da Alpargatas (1962); a estante Peg Lev, de Michel Arnoult (1968) e a Calçada de Copacabana, com redesign de Burle Marx (1971). Já a rede de dormir, também exposta nesta mostra de design, data de, pelo menos, 1500!
Após a temporada no Museu da Casa Brasileira, a mostra será apresentada no Paço Imperial, no Rio de Janeiro.

Por Eleni Kronka

Originalmente Publicado em :

http://blog.anhembi.br/site/

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Museu da Casa Brasileira
Av. Brig. Faria Lima, 2705
Tel. 3032-3727
www.mcb.org.br

janeiro 27, 2010 No comentários

Com apenas sete anos de existência, o Studio Output, nascido em Londres, já possui uma carteira de clientes de dar inveja: Nokia, BBC, MTV, Coca-Cola, Paramount, Sony Playstation são apenas alguns deles.

Fundado em 2002 por Rob Coke, Ian Hamblenton e Dan Moore, o estúdio não considera ter um estilo próprio. Os fundadores acreditam que cada cliente possui uma necessidade especifica, criando, assim, um estilo próprio e apropriado para cada briefing.

Desafios

Este pensamento e a disposição de encarar desafios foram fundamentais para conseguir o primeiro grande cliente já em 2004: a casa noturna Ministry of Sound, de música eletrônica. O local passava por um período de mudanças e, com isso, estava perdendo seus clientes mais fieis. O desafio do Studio era desenvolver uma nova estratégia visual de comunicação para trazer o público de volta.

O novo visual criado pelo Studio Output para a Ministry of Sound foi uma grande mistura de estilos: composições com fitas cassete derretidas, letterings em 3D com estilos futuristas, ilustrações inspiradas na estética manual e tipografias brilhantes. Estes são apenas alguns dos elementos que fizeram do projeto um sucesso. A casa recuperou seus clientes e ainda se tornou referência em Londres.

O caminho estava aberto para a conquista de contas como BBC e Coca-Cola.

Personalização

Quando um cliente chega ao Studio com um briefing debaixo do braço, não sai da reunião sem ter passado todos os detalhes do projeto e suas necessidades.

Depois disso, a equipe se reúne e cria pelo menos três propostas; o cliente escolhe uma ou duas ideias. O Studio Output não vão muito longe com o projeto sem que o cliente esteja satisfeito. Só então partem para execução e finalização da proposta.

Ian acredita que o Studio só chegou onde está por respeitar a individualidade de cada cliente, desenvolvendo projetos com o foco nas necessidades específicas de cada um.

Por Paulo Ricardo Martins

Este artigo foi originalmente publicado em:

http://blog.anhembi.br/site/

janeiro 27, 2010 No comentários

Design de Produto, Design gráfico, Design de Moda, Design de Interiores, Design de Sobrancelhas, Hair Design, Design Digital, encontramos hoje diversas profissões de diferentes áreas com o nome Design agregadas a elas, isso se passa com a idéia de que Design é valor, qualidade, estética. No mercado existem milhares de produtos que se intitulam também com design, até carro agora foi lançado com o nome de Carro Design. O problema não é produtos e profissões terem design no seu nome ou em sua publicidade, o grande problema é que o verdadeiro valor e significado do Design em noventa por cento dos casos é deixado de lado e muitas vezes nem se quer sabem o que é Design, como design como arte, o Design de Interiores é visto como o cara da decoração, o gráfico como o cara que faz uns desenhos, o Digital faz animações e sites e o de Moda faz umas roupas bonitas. É assim que o mercado olha o design e infelizmente é assim também que muitos profissionais se vêem.

Formado na escola de ULM na Alemanha, Gui Bonsiep defende que o design é multidisciplinar, que tem valor social, de desenvolver melhorias para a sociedade, facilitando a vida delas. Ele também afirma que todo design é design de interface, que cria com o objetivo de comunicar um meio entre o usuário e o produto. Para ele também, um designer gráfico não tem que pensar somente na arte da capa de uma revista, em uma embalagem de um produto, o designer gráfico tem que pensar em todo processo, a forma que vai ser impresso, o tamanho que facilite a logística, a melhor leitura para o leitor. Esse pensamento vai para todas as áreas, na moda, não se criar apenas roupas bonitas, mas sim uma roupa que atenda um propósito para a sociedade, que facilite sua locomoção, transpiração e coisas do tipo.

Acredito ainda que os profissionais na área ainda saberão o que realmente é o Design e o que realmente fazer com ele, para assim conseguir dar valor a uma profissão que tem a mesma importância de um medico, um político e outros mais.

Por Alexandre Silva

Originalmente publicado em:

http://designteatro.wordpress.com/

janeiro 25, 2010 No comentários

Um designer, independente de sua especialidade ser voltada para a arquitetura, criação gráfica, interiores, paisagismo, artes plásticas ou qualquer outra possibilidade, precisa criar para alguém. A criação por criação é uma atividade de entretenimento. Em uma sociedade capitalista, um designer usa seu talento para convertê-lo m dinheiro, portanto, precisa ter um produto final aceito no mercado.
O mercado que demanda design no Brasil ainda não atingiu a temperatura máxima capaz de fazê-lo ferver. Desta maneira, apesar de termos condições, contando com pessoas e recursos, de atingir o nível de um design alemão, ainda não temos consumidores suficientes em quantidade e em qualificação. A falta de qualificação para ser público de design é notada na imaturidade do comportamento do brasileiro ao não reconhecer valor em designs ousados ou simples. Nos simples, inclusive, a dificuldade é ainda maior. É comum ouvir-se “isso eu também faço” ou “até eu faria isso”. A questão é que aquele designer fez e ao apresentar ao público se depara com arrogância ao invés de reconhecimento. A mentalidade ainda é restrita. Em relação ao design arrojado as opiniões costumam expressar-se com o adjetivo “esquisito”.
O Brasil é um país muito populoso e a maioria da população está preocupada primeiro em “ter” antes de se preocupar em “ter, com design como pré-requisito”. O contingente populacional das classes mais baixas não tem acesso financeiro ao design de maneira que sem o consumo freqüente não conseguem desenvolver uma cultura de consumo de design. Sem reconhecimento o design não tem valor algum, se torna uma loucura que desafia o senso comum criando novas imagens para velhos signos.
O contexto brasileiro, entretanto, não é tão desprezível assim como se fez parecer ser. Assim como há o grupo que não dá valor, há o grupo que valoriza sábia ou impulsivamente o design. O país conta com brasileiros muito talentosos para criar e para consumir. Talentosos para observar, transformar e absorver. Brasileiros antenados em atualidades, do grupo cult, do mid-cult, da geração y sedenta por inovação, pessoas colecionadas Brasil afora, concentradas nas regiões mais desenvolvidas do país, que gostam de design, estão se educando a exigir design e a valorizar criações alternativas para o tedioso comum.
Há os consumidores de design somente na informática, há os que consomem design em moda, há os que moram em apartamentos construídos em série e tem quadros abstratos no interior. Também há donas de casa clássicas, mas que ao ver uma frigideira verde-limão com flores se sente tentada em comprar. O consumo de design se dá em diferentes proporções na particularidade de cada um de maneira que quanto mais disseminado pelos distribuidores, com mais facilidade penetrará no cotidiano do brasileiro. Em um primeiro momento o design é associado ao luxo por ser escasso e caro, mas ao se tornar cada vez mais acessível, mais será valorizado até atingir seu auge. Se depois de atingido o auge, vier o declínio, será uma conseqüência que costuma acontecer em qualquer ciclo.

Por Maria Luiza Santoro

Disponível em http://designteatro.wordpress.com/

janeiro 24, 2010 No comentários

janeiro 23, 2010 No comentários

Estúdio Dimaquina – Multishow

Ser designer no Brasil é escolher entre a auto-satisfação e o anonimato. Poucos designers são abençoados com a possibilidade de criar com liberdade e ainda serem reconhecidos diretamente por seus projetos, diferente de muitos que acabam escondidos atrás de uma marca.

Eloíze Navalon, coordenadora do curso de Design de Moda da UAM, em entrevista para o blog Moda Brasil + Design, discute a questão de designers anônimos e autorais. Para Elóize, o designer anônimo é aquele profissional que trabalha por trás de uma marca, não tendo seu nome vinculado a sua criação. Isso ocorre com a maior parte dos designers no Brasil, bem diferente do que acontece no restante do mundo, onde o designer é mais valorizado, e algumas marcas até se beneficiam do nome do designer para agregar mais valor ao produto.

Por esse motivo, muitos designers brasileiros preferem trabalhar por conta própria, tanto para empresas nacionais quanto internacionais, hoje com a ajuda da internet as distâncias ficaram mais curtas entre o designer e o cliente, facilitando assim a comunicação e aumentado às possibilidades de mercado. Como fizeram os garotos do Estúdio Dimaquina (dimaquina.com), fundado em 2005 pelos designers Daniel Neves, Nako e Antonio Pedro, que engessaram no designer autoral para criar um design próprio, como eles mesmos dizem: “Existimos para criar histórias, plataformas e ambientes, onde marcas se movimentam, com funcionalidade, eficiência e poesia”.Hoje o Estúdio atende marcas como Multishow e Dazed & Confused, sendo que Daniel mora no Rio de Janeiro e Nako e Antonio mudaram-se para Londres na Inglaterra, mesmo com a distância a equipe trabalha como se estivessem todos no mesmo espaço.

Se o que você deseja é realmente ter seu trabalho reconhecido, será preciso trabalhar muito, e trabalhar com qualidade e competência, um pouco de sorte sempre ajuda, mas o fundamental é não ficar parado esperando a sorte chegar, crie uma identidade própria e grite aos sete ventos. Alguém vai ouvir.

Por Paulo Ricardo Martins

Disponível em http://designteatro.wordpress.com/

janeiro 23, 2010 No comentários

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janeiro 20, 2010 No comentários

janeiro 13, 2010 No comentários

Em uma entrevista cedida ao blog Moda Brasil + Design, a designer Eloíze Navalon, que é também coordenadora do curso de Design de Moda da UAM, falou um pouco sobre temas abordados em sua pesquisa “Design de Moda: Interconexão Metodológica”, onde discute peculiaridades da profissão de designer no Brasil. Em sua pesquisa Navalon faz um comparativo entre os desempenhos de designers que classifica como anônimos e autorais. Segundo a pesquisadora o designer anônimo é aquele profissional que trabalha para uma determinada marca e que, na grande maioria dos casos, não tem seu nome conhecido pelo público. Apesar de ser este o caso da maior parte dos designers brasileiros que, apesar de seus esforços, ainda não encontraram o reconhecimento de sua profissão, Navalon revela-se bastante otimista ao afirmar que este cenário está mudando. Ela define como designers autorais aqueles profissionais que apresentam seu trabalho através de uma marca própria, que pode até mesmo levar o nome deles. Na entrevista Navalon afirma que quis falar especificamente sobre o designer de moda, porém é possível afirmar que há uma situação bastante semelhante na realidade de designers que atuam em mídia impressa e também digital. Ela deixa claro um detalhe importante para que possamos compreender que, assim como em outros lugares do mundo, existe um mercado que busca uma “intenção de design” para uma linha de produção massificada. Este mercado é constituído por empresas que, em geral, encaram o design apenas como um “detalhezinho a mais” e que, talvez por isso, não invistam neste recurso ou aceitem pagar muito mais pelo trabalho do profissional que Navalon chama de “designer autoral”. Tais empresas preferem adotar a mencionada “intenção de design” solicitando a estagiários que sigam esta ou aquela tendência, em geral fórmulas já experimentadas no mercado e que caíram no gosto do público. Vale lembrar que, muitas vezes, estes estagiários são muito mais capacitados tecnicamente do que alguns dos profissionais que Navalon chamaria de “designers autorais”. É evidente que tanto o designer anônimo quanto o autoral enfrentam problemas semelhantes no que diz respeito ao desenvolvimento de um projeto. Ambos lidam com questões pertinentes a prazos, verbas, sistemas de produção utilizados pelos fornecedores e uma porção de outras variáveis. No entanto é preciso admitir que nem sempre o designer anônimo, apesar de receber uma remuneração bastante inferior a de um designer autoral, contenta-se em copiar fórmulas prontas e, dentro de suas possibilidades, empenha-se em desenvolver um trabalho em que reconheça seu talento. Para estes designers, mais do que para qualquer outro, exercer sua profissão no Brasil é lutar por uma causa.

Originalmente publicado em: http://designteatro.wordpress.com/

janeiro 12, 2010 No comentários

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